Ref.12027
Ensemble de quatre double portes modernes en fonte dans le style des portails XVIIIe

Ensemble de 4 grandes portes de fabrication moderne, en fonte et ornements de bronze doré H. 291 cm + 10 cm de pied dans le sol, L. 170 cm (151 cm d'ouverture), Prof. 8 cm et une porte au décor différent H. 295 cm, L. 170 cm (161 cm d'ouverture) Porf. 8 cm, avec un ensemble de verres.

Ref.11991
Auguste MOREAU, Le Pêcheur d’écrevisse, vers 1902

Cette statue en marbre statuaire de Carrare fut exécutée par Auguste Moreau vers 1902. Auguste Moreau (1834-1917) s’inscrit dans une grande lignée de sculpteurs : fils de Jean-Baptiste-Louis-Joseph Moreau et frère du célèbre Mathurin Moreau, dont il semble qu’il ait d’ailleurs été l’élève, il est lui-même père de deux sculpteurs. Peintre et sculpteur, il exposa avec assiduité aux Salons entre 1866 et 1909. L’enfant est assis sur un rocher recouvert d’algues, au bord de l’eau. Sa posture est tout en déséquilibre et en mouvement : sa jambe droite est repliée vers l’arrière tandis que la gauche est au-dessus de l’eau ; sa main gauche s’appuie sur sa jambe droite, et il tient dans la main gauche un bâton, avec lequel il tire l’écrevisse par la pince. La tête entourée de longues boucles, les yeux baissés, il regarde sa prise avec un léger sourire. Un soin tout particulier fut apporté aux textures, la peau lisse de l’enfant contrastant avec les algues et la rugosité du bâton. L’œuvre est signée sur le côté et porte une inscription. Le plâtre de cette statue fut présenté au public à l’occasion du Salon de 1902, au numéro 2725 du catalogue. Plusieurs sujet similaires, mettant en scène un enfant et un petit animal, furent également traités par le sculpteur, qui présenta un Enfant aux fauvettes au Salon de 1878, un Enfant à la grenouille à celui de 1893 et un Heureux pêcheur en 1895.

Ref.15031
Charles Stanislas MATIFAT, pendule double face persane de l'Exposition Universelle de Londres de 1851

Réalisée pour le marché européen et ottoman-perse, notre pendule porte la signature de Charles Stanislas Matifat et la date de 1851. Matifat est considéré comme l’un des plus notables fondeurs d’art parisien du milieu du XIXe siècle. Ses pendules, vases, lustres, fontaines et objets décoratifs étaient réputées pour leur précision, leur raffinement et leurs finitions soignées. Le modèle de notre pendule fut présenté dans la section française de l'Exposition Universelle de Londres de 1851. Le stand de Matifat se trouvait au cœur du célèbre Crystal Palace et suscita une grande admiration de la presse et du jury de l’Exposition. Richement ornementée, évoquant les arts décoratifs persans, cette création présente les qualités d’une pièce d’orfèvrerie. Elle offre deux cadrans en émail blanc. Cette particularité permet d’afficher à la fois l’heure européenne (celle de Paris ou de Londres) et l’heure en chiffres turcs. A ce moment, Matifat invente un procédé d’émail vitreux sur bronze, qui lui permettra de créer des décors d’une grande finesse. Matifat est connu pour ses pièces d’art décoratif, appréciées par Charles Garnier, mais il fondit aussi des sculptures monumentales signées Carpeaux ou Frémiet.

Ref.14931
Cristallerie BACCARAT, Encrier La Vague, 1909

La cristallerie conçut cet encrier en cristal moulé et repris orné d’éléments en bronze doré, témoignage de l’alliance entre le travail du verre et celui des bronziers spécialisés dans l’art décoratif. Le cristal prend la forme d’une vague creusée, au sommet de laquelle repose une sirène en bronze doré ; sa chevelure ondulante souligne la nudité de son corps, à la pose alanguie et sensuelle. Fondée sous Louis XV, la manufacture de cristal française Baccarat fit montre de son excellence et de sa créativité aux Expositions Universelles tout au long du xixe siècle. Les deux réservoirs d’encre s’inscrivent pleinement dans le thème maritime : ils adoptent la forme d’un coquillage et d’un panier de pêche, entourés d’algues au mouvement tourbillonnant. Ce chef-d’œuvre de l’Art Nouveau fut exposé lors de l’Exposition internationale de l’Est de la France, à Nancy, en 1909. Il témoigne de l’influence des arts japonais sur les artistes occidentaux, notamment de La Grande vague de Kanagawa de Hokusai.

Ref.15976
D'après Philippe MAGNIER, d'après l'antique, Les Lutteurs

Ce bronze fut exécuté d’après l’antique Les Lutteurs par Philippe Magnier (1648-1715) entre 1884 et 1888, à partir d’un plâtre d’après l’antique conservé à la Galerie des Offices, à Florence. Il représente deux lutteurs ou pancratiastes en pleine action : l’un maintient son adversaire au sol à l’aide de ses jambes, tout en lui tordant le bras d’une main ; l’autre, le corps replié sur lui-même à l’extrême, tente de résister à la pression qu’exerce sur lui son opposant ; son visage laisse entrapercevoir l’effort et la souffrance, tout en gardant une perfection classique des traits. Les muscles saillants des combattants témoignent d’une étude précise de l’anatomie du corps humain de la part de l’artiste et d’une volonté de représenter le sport avec précision, dès l’Antiquité. La sculpture antique Les Lutteurs, s’inspirant probablement d’un bronze grec aujourd’hui perdu, fut découverte près de Rome en 1583. Elle rappelle que le pancrace est un sport de combat grec, pratiqué au temps des Jeux Olympiques antiques, qui laissait les adversaires très libres de leurs attaques. Ce sport était pratiqué nu, comme le montre cette représentation. Dans les années 1680, à une époque où copies d’antiques et commandes modernes peuplaient les bosquets du roi, une statue en marbre d’après l’antique fut commandée par l’administration royale à Philippe Magnier pour les jardins de Versailles. La sculpture fut placée dans le parc du château de Marly dès les années 1690, où elle resta jusqu’à la Révolution. De nombreux tirages en bronze furent exécutées à partir du marbre de Magnier en France au xixe siècle. Ce médium, qui donne une impression naturaliste accrue par rapport au marbre blanc, met en valeur la musculature des sportifs. Ce bronze est ainsi emblématique de l’engouement que suscita cette représentation de deux lutteurs à partir de sa redécouverte à la Renaissance et jusqu’au xixe siècle.